GM：フローリストを目指されたきっかけやエピソードがあれば教えて下さい。

YH：実は元々フローリストになりたかった訳ではないんです。家が近いという理由だけでフラワーショップのバイトを始めたのがきっかけでした。ある時、お花の雑誌か何かでフランス特集をしていたんですが、その記事にすごい衝撃を受けてしまい、フランス留学を決意したんです。でも、その時は縁が無かったのかビザがおりず、仕方無く諦めることに...。とりあえず観光旅行で、約１ヶ月半ほど、フランスの花屋巡りをしました。

その時感じたのが「フランスでも日本でも、花屋にそんな大きな違いは無い」ということ。フランスにも良い花屋があるし、あまり良くない花屋もある。中でも「良い花屋」とは、店主のこだわりや心意気が見えるお店。「花は作り手によって全然違う」という手応えを感じ、そのまま日本に帰ってきて、すぐに自分のショップを開きました。

日本人は、欧米に対するコンプレックスが強い傾向にありますが、フランスで感じた良い花屋を日本人でもやれるんじゃないかなと。逆に日本人にしかできない花屋の形があるんじゃないか、made in japanみたいなもの、要は心構えとか心意気なのではないかと思えたんです。

GM：いきなり独立って、凄くないですか？

YH：顧客も知り合いも何も無いゼロからのスタートで、気持ちと情熱だけでしたが、何故だか自信はありましたね。根拠のない自信が（笑）。花屋は花を売るというより、実は信用を売る商売なんですよ。例えば誰かにお花を贈りたい時、何処かの花屋に頼むと思うんですが、お客は商品を直接目にしない事が多いんです。だから相応の信頼関係が築けていないと任せられませんよね？だからはじめの数年間はアルバイトをしながらの苦しい経営でした。徐々に徐々に信用を付けながら少しずつって感じでしたね。

GM：その信用を得るために、何か特別な努力はされましたか？

YH：努力と言うより、１回１回のオーダーで１つ１つ作った（アレンジした）作品が、そのまま真剣勝負でした。手を抜かない、と言うか抜けませんよね。送られた方がそのお花を貰って嬉しかったら、違う誰かに評判が伝わって私のお店を紹介してくれます。そんな風に口コミで繋がっていく。言い方を変えると、お客さんとの距離が近いんですよね、でもそれが楽しさの１つでもあると思っています。

また、日本では専らフラワーアレンジやギフトがメインなのですが、ヨーロッパでは自宅用に買う人が多い。例えばパリでは自宅に庭のある家庭が少ないので、切り花文化が根付いたんです。また「お花は（値段が）高い」というイメージがありますが、その価値観が正しく理解されていないのが残念です。海外でも値段は日本とあまり変わらないのにすごく売れてますから。

例えば、美味しい食事にお金を払うのと似ていると思うんですよ。そんな感じで花も貰った時の一瞬の感動を大事にしてほしい。また、そういう花を作りたいし、余韻を残せる様な花を提供していけたらと思います。ただただ花を売るだけでは、小売店の存在価値が無くなってしまうのではないでしょうか？

GM：なるほど、どんな仕事でも根本は同じなんですね！

私たち美容師の世界でも全く同じことが言えて、ちょっとした食事やデートの時、プロのヘアアレンジってすごく素敵に変身できるんです。でも、なかなかそういう価値観が根付いていないので、未だにヘアサロンでするヘアセット＝冠婚葬祭用、という図式で語られることが多いですね。もちろんその場限りのヘアアレンジかも知れませんが、その一瞬の美に対して価値を見出せる様な成熟した国に、日本もなっていって欲しいなと思います。

少し話がそれてしまいましたが、昨今、不可能と言われていた青い薔薇の生産にサントリーが成功しました。この様なバイオテクノロジーによって人工的に新しい花を作ることについてはどう思われますか？私たち素人の感覚だと、自然とは逆に向かっている様な気がするのですが...。

YH：市場に出回っている花は、突き詰めれば全部人工的なんですよ！なのでバイオテクノロジーから生まれようが、畑で生まれようがあまり抵抗はありません。美しい花が次々と生まれるのであれば、それはそれで喜ばしいことです。矛盾するかも知れませんが、大自然が産み出した植物も人為的な生産物としての花も、花としての自然な美しさにこそその魅力が備わっているのだと思います。

GM：ちなみに、spontanémentという屋号には、何かそのあたりの思いが込められているのでしょうか？

YH：spontanémentには、「自然に」とか「自然発生的な」という意味があり、僕自身自然に身を任せる人間なんで（笑）花自体もデコラティブなものはあまり好きではありません。そのままの花の美しさを見せられる様なシンプルなデザインが好きですし、そういうアレンジを心がけています。

GM：ずばり橋本さんにとって「花」とは何ですか？また、その魅力や花がもたらす効果など教えて頂けませんか？

YH：本能的にみんな花が好きなはずなんですよ。逆に花が嫌いな人っています？いたら教えて欲しいくらいです（笑）。

僕が思うに、お花だけでなく植物全般にあまり触れる機会の無い人もいますが、どの時点で気付くかってことなんだと思います。誰しも早晩花の魅力に気付くんですが、たまたま僕は早かっただけで...。しかも一度ハマるとのめり込んでしまうんです。そんな魅力が花にはもともと備わっているのではないでしょうか？また、花を観て「美しい」と思える人の心が美しいのだと思うんです。そういう心の余裕を与えてくれるのも、花の持つ魅力なのだと感じます。

GM：人と花の関係についてどのような考えをお持ちですか？また、アレンジをする上でどんなふうにインスピレーションが涌くのですか？

YH：今って、わりとデコラティブなものを作る人が多い様に感じるんですが、僕はキレイな花を仕入れてちょっとだけ僕らしさを加えるだけ。花屋の仕事はそれだけだと思っています。カッコ良く言えば、花をひきたてるサポート役ってところでしょうか？

自分のセンスをガツガツ出し過ぎるよりも、花そのものの良さを引き出してあげるのが一番いいのかなと。

結局それが一番飽きないし、くどくない。料理にもありますよね、くどいの（苦笑）。

アレンジするとき、花よりまず人を観ます。どちらも大事ですが、最初に人を観てその人の持つイメージやその人から受けるインスピレーションを大切にしています。その辺は、ファッション業界の皆さんとも似ているのかな？今その瞬間に一番キレイな花を選んで、その人らしくアレンジする。そんな感じですかね。

GM：ご自分の畑を持ちたいそうですが、それは何故ですか？

YH：野外で自然に育った花は強いんです。ハウス栽培の花には無いパワーがあります。それに新鮮で良い花は、大手に回ってしまう事が多いので、我々個人店にはなかなか入ってこない、というのが大きな理由ですね。

また、僕はよくグリーンを使うんですが、例えばブーケだとミントなどの脇役次第で良くなるか、ありふれたものになるかが左右されてしまうことが多くて、しかも、その葉っぱがまた結構高いんですよ。お客さんはそんなこと知らないので、たかが葉っぱにそんな高い金額を出したくないのが正直なところだと思います。そこの部分で、自分の畑で商品を栽培できれば、コスト面からも、もっと良いものを提供できると思うからです。

将来的には、色々な植物を育てながらアレンジし、「本日の朝切り」みたいな感じで、摘みたての花のディスプレイなど試してみたいですね。

GM：１人のフローリストとして、花屋の「あるべき姿」とはどんなものだと思われますか？

YH：人生には花が必要だし、花屋はもっと厳密に評価されるべきだと思っています。

例えばケーキ屋さんだと「近いし、とりあえずそこのケーキ屋でいいや」なんて事はないと思うんです。あそこのケーキ屋さんで作っているケーキは特に美味しいから、わざわざ足を運んで買いに行くと思うんですよ。作る方も、常に努力を怠らないのが当然で、お客さんはそれを厳しく評価してお店を選んでいるはずなんです。そういう観点で見ていくと、花屋業界は他の業種に比べ、残念ながら全体的にクオリティが低いと感じざるを得ません。起業し易い反面、努力をしてる人が少ないのではないか？というのがその理由です。

今はまだ「あそこの花屋がカッコいいからあそこに買いに行く」っていう人も少ないし、お客様自体も花やアレンジのクオリティーを気にしていないのか、もしくはそれ自体よく解っていらっしゃらないのか...。それに甘んじてかどうかは解りませんが、街の花屋は２０～３０年前のアレンジをそのままやってるところも多く、クオリティーが悲しいぐらいに低い。ある意味「停滞」してしまっているんですかね...。それを許している、という意味では、お客さんの側も「良いものを見抜く眼」を養って欲しいという思いはあります。しかしその為には、誰が見ていなくても、自分のクオリティーは自分で維持する、という徹底したプロ意識が重要なのだと強く感じます。

GM：なるほど、難しい問題ですね。我々美容業界にも多かれ少なかれ同じ様な問題は存在します。しかし、自浄作用と言いますか、業界全体で取組んでいく問題なのかな、とも思えるんですが、如何ですか？

YH：例えばA.B.C３種類の花があるとして、鮮度もA.B.Cの順だとします。普通に考えれば、一番新鮮でキレイなAを迷わず使うのが当たり前だと思うんです。しかし、お客さんの都合ではなく花屋の都合で、最も古いC、もしくはその次に古いBを使う、というのが古い花屋業界全体の教育なのです。新しいものばかり勧めていたのでは、常にロスが出る。だから古いものから使っていき、新鮮で長持ちするAをなるべく最後まで残す、という考え方なのでしょうが...。

TPOに合わせて古いものが良いときももちろんあります。例えば結婚式だと、長持ちしなくてもその本番当日が重要なので、既に咲いてる花の方が良いわけです。そういったことを無視して、単に「古いものから消化する」という決まりに縛られ、目の前のお客さんに喜んでもらう、という気持ちを無くしてしまっては本末転倒だと思うんです。もちろんきれいごとだけではご飯は食べていけないのも事実ですが、そこは何とかして智慧を絞り「より良いものをお届けしたい」という心構えでないと、それに相応しいお金なんて頂けないですよ。そういう意味からも、これからのこの業界は真剣にクオリティーを上げていかないと将来的に厳しいのかなと...。

GM：そのあとレベルが上がった先には何があると思いますか？

YH：花を贈る事が特別なことではなくなって欲しいと思います。それにもっともっと個人店が増えて欲しい。今は大手ばっかりなんです。真面目でセンスや思いやりのあるお店が増えれば、お客さんもお店選びの楽しみが増えるはずです。今は選べるほど良い花屋が少ない。ケーキ屋さんやブティックみたいに選べるようになると、個人的にも嬉しいです。例えば、送る相手によって花屋を選べるといいんじゃないでしょうか？「モダンな花が好きなあの人にはこの花屋さんかな？」、「ナチュラルなのが好きな人にはここ！」、「ゴージャス感が出したいならここ！」みたいに。

GM：将来についてお聞かせ下さい。

YH：最近、生け花を習ってるんですが、特に花を生けるまでの姿勢が大切なんです。今その部分から見直してるのは、結局そこが現れるから。「素敵だな」と思う人の花は、やっぱり素敵なんですね。くどい人のはやっぱりどこかくどいんですよ（笑）。

僕には明確なスタイルがあるので、更に上を目指すには日常生活を変え、内面を磨くしかない、というところにやっと到達しました。それが、良くも悪くも僕の作る花に出てしまうと思うんで。

そして僕自身、自分には花屋以外無い（ある意味天職）と思っています。だから、今の仕事を辞めたいと思ったことは一度もありません。しかし、特に男性フローリストは、給料が安過ぎて結婚して生活を維持しようと思うと、仕方無く辞めざるを得なかったり、なかなかそのあたりのモチベーションの維持も難しいのが現実なんです。

そんな状況もあり、自分の人生の後半は、有能なフローリストを育ててみたいと考えています。また、色々な形で花や業界にも貢献したいとう気持ちがありますので、事業・経営としてもっと余力の持てる仕組み作りの必要性を痛感しています。自分にどこまでやれるかは未知数ですが、暫くはのんびりしていられそうにありません（笑）。

GM：今後のご活躍を期待してます。今日は、ありがとうございました。

戦争体験は個人に対しても文化価値にも様々な影響を及ぼす、イラクの帰還兵の心的障害の問題や「THE MAGAZINE」の記事「捨てられた都市とカーゴカルト」でも取り出されている様に戦争はいつだって様々な所に多大な影響を及ぼしてきた。

それはしばしば新しい文化を作り出すきっかけともなる

TIKI CULTUREは突然、２０世紀の半ばに　アメリカに降って湧いたカルチャーでポリネシアン文化に色濃く反映された　TIKI彫刻や神話などに単を発するがそれがどこでどうなったのかねじ曲がり、自由で、スタイリッシュに昇華したブームであった。

事の始まりは　１９３４年　ハリウッドにできたDON THE BEACHCOMBERというレストランバーからであった。

創始者はアーネスト•レイモンド　ボーモントガント

彼は、ルイジアナ州からヨットで南太平洋を横断した青年でした。

画期的だったのは　当時のレストランにはなかった燃える松明、藤の家具、エキゾチックに彩られたものでした。

しかしコレは火種にしかすぎない予兆だったのです。

第二次世界大戦後　多数の米兵が太平洋戦争から戻ると　土産話や記念品などがTIKI文化の爆発に貢献しました。　当時アメリカにおいて中産階級の人々が旅行を行い他の国の文化に触れるという機会は少なく、戦争に出るという形で若者は世界の文化に触れることとなりました。

当時、アメリカの出兵した人々にとってとりわけ太平洋上の航海や未開のジャングル、ポリネシアの島々での体験は非常にカルチャーショックだった様です。

その原住民の自由な暮らしは、経済市場主義にどっぷり浸かったアメリカの若者には信じられないぐらいの価値観だったといいます。

その人間の原点のような生き方をする原住民に魅了され戦争後、帰還する事無く現地に留まった多くのアメリカ兵がいるとも聞きます。

その戦争で体験した南方体験は多感な青年兵士達の心をわしづかみにしていたのです。

戦後のアメリカは戦勝国で中産階級の経済力は爆発的に飛躍します。

アメリカ、西海岸においてエキゾジックな文化のロマン的に解釈された帰還兵の思い出や、いち中産階級出の兵士が命を賭して出兵した先での異文化での冒険奇譚、TVでしかみた事無いジャングル、南方奇譚、冒険、それは熱帯南方に恋をするに充分すぎる経験でした。

その戦争体験によりふくれあがった美化された甘い思い出は経済成長と結びつき

いつしか西海岸でTIKI CULTUREとして昇華して行ったのです。

HOTELは南国風にレストランはTIKI BARと化し、建築はねじ曲がったのごとくTIKI風に増大し、LES BAXTER,ARTHER LYMANに代表されるようなエキゾチカという音楽ジャンルが生まれ、アフロキューバンやラテン、ボサノバなどとハイブリッドを起こしながら新しい音楽ジャンルが確立して行きます。

もちろんハリウッドに代表される映画界でも例外ではなく、南国のロマンチックなテーマの作品が爆発的に増え、「ターザン」「キングコング」といった名作が生まれます。

メキシコのお酒テキーラや色とりどりのカクテルが飲まれ始めたのもTIKI CULTUREの影響だといわれています。一時期ポリネシアデザインは家の家具や建築構造、ビジネス、音楽、様々なジャンルに影響を及ぼしたのです。

その異形な姿は人々の心をときほぐし身近な旅行体験、非日常を演出してくれたのでしょう。

しかし６０年代に入るとその栄華を誇ったカルチャーは急速に夢から覚めた様にしぼんでいき、今ではその誇った栄華の後はほとんど目にする事はありません。

TIKI CULTUREは戦争がもたらした、当時の多数の出兵したアメリカ青年達の異国の思い出の刻印だったのかもしれません。

若干２３歳の若さですでにいくつかのコレクションを創造するRichard Soderbergによって２００８年自らのブランド『Obscur』を設立し、スウェーデンのストックホルムにて鮮烈なデビューを果たした。これまでにパリ、東京でコレクションを発表し、設立からわずか２年にして既に世界１０カ国のショップで販売されるなどその注目度の高さが窺われる。

Obscureとは明確でないもの、理解されないもの、また定義する事が困難なものを表すという英語の単語を古いフランス語のスペルであるObscurに変換し命名。『ガーメントは着用された時こそ真の価値が認識される』という明確な信念からすべては創りだされているのです。

彼の造り出す服は、精密なパターンとランダムなドレープ感のあるシルエットが特徴ですが、それは生と死に深い関心を抱き、自らの情熱の中にあるダークサイドな部分を注ぎ込まれているかのような、かなりダークな印象が強い。彼が育った故郷の暗く霧深いスウェーデンの風景が彼の表現の原点である事は間違いないだろう、しかし私がイメージするスウェーデンのファッションは清潔感がありクリーンなイメージなのですが、まったくの正反対で暗く、破壊てきな作品である、スウェーデンファッションに表と裏があるならまさに裏といった感じがする。

元々彼はファッションデザイナーになろうと思って始めたのではなく、むしろ華やかなファッション業界にはそれほど興味を持っていなかった。たまたま感情や雰囲気を造り出す表現方法の一つとして衣服があった。取り巻く環境すべてに直感的にまた本能的にインスピレーションされ彼の中で衝撃となり衣服に落とし込まれるのです。

10A/Wの彼の作品はまさ死をイメージさせる衝撃として圧倒的な存在感を示している。このコレクションはオーストリア出身のアーティストのGunter Brösの作品にかなりインスピレーションされている。Gunter Brös、彼の作品は目を伏せたくなる様な病的なまでに表現された不の世界。今回のコレクションは表現が悪いかもしれませんが死体安置所にある死体を持ち運んできたかのように感じる。ただ死というのは怖さもあるが反対に儚く美しさも感じてしまう、あらゆるしがらみから完全に解放されたありのままの状態、また生も同じであるかの様に彼の作品はダークさの中に全く逆の光をかいま見る。

まだまだ新鋭の彼が今後どうなるか、進化をとげ更なるダークな世界のに導いてくれるとともにObscurがどう展開していくかその未来がとても楽しみです。

text by GM

Tonight,Tonight / The Smashing pumpkins

家業の酒屋を営みながら　ライフワーク、パーソナルワークとして写真表現を行う

その被写体は故郷である千葉の御宿・岩和田の浜で40年余「海女の楽園」を撮り続け、失われゆく郷土の海女たちの姿を、生き生きと健康美豊かに捉えていた。

近年、戦後の日本人写真家の作品が評価される中、生活にとけ込んだ景色を群像としてとらえアートの域に引っ張りだす力強い作品群とその視点は今となっては失われつつある文化を記録した貴重なものでもある。

ただの記録的写真やスナップ写真に納まる事なく写真表現としての美しさをしっかりした技術力で裏打ちされたクオリティーを保ち人物像に迫る写真群は圧巻である。

岩瀬 禎之

明治37年2月7日生。千葉県御宿町に生れる。大正13年明治大学法科卒業。昭和8年6月東京銀座松屋に於て海女の個展を開きその後千葉市に於て6回個展を開く。更に戦後は駐留軍の以頼に依り昭和25年8月に東京アニーパイル劇場(宝塚)で写真展を開催す。

ドイツのローライフレックスカメラ主催の懸賞写真展に2位入選。昭和32年毎日新聞社主催日本写真美術展に於て「海女の群像」が内閣総理大臣賞に入賞す。

デザイナーであるMARTIN MARGIELAの存在しない「Maison Martin Margiela」は、昨年で２０周年を迎えた。

１９８８年、Jenny MeirensとMartin Margielaの２人は会社を創設。同年１０月、１９８９ S/S パリ・コレクションにてデビューを果たした。ゆったりとしたシルエットのミラノモードに対して、当時としては実験的な、体にフィットさせたシルエットを発表。それ以降、常に前衛的な集団として「Maison Martin Margiela」は、ファッション業界での地位を確立してきた。

一時期、Margiela本人の引退という話題で持ちきりになったが、実はずっと前からすでに引退していたのではないか？というまことしやかな噂まで流れ、業界を賑わせた。しかし、そんな周りの喧噪はどこ吹く風と、スーパースター不在の「maison martin margiela」は、しっかりと地に足をつけて、今回もアンチモードな作品群を発表してきた。

チーフデザイナー引退騒動の渦中であるにも関わらず、アントワープのMOMU（モードミュージアム）とロンドンのsomerset house（サマセット・ハウス）で、創立２０周年という分岐地点となる展覧会を開催する運びとなった。特にロンドン会場は、テムズ川を望むストランド地区南側、ウィリアム・チェンバーズによる大規模な建造物で、中央部は新古典主義建築。その後南北に古典主義的なヴィクトリアン・ウィングが増築されたことでも有名な、由緒ある建物を使用。

ブランドテーマである〝Time〟 と〝History〟を表す白を基調とした空間を、今回もいつも通りに演出。白が汚れることによる、歴史と時間の経過を表現した。また、新しいものから古い物への移ろいが、ある種の錯覚を感じさせる演出も心憎い。そして、とても心地良さそうな感覚と、ピリッと張りつめた空気感による独特の雰囲気があり、作品の多くは、その空間に存在しているだけで絵になるよう、スペースの使い方や配置へのこだわりが見てとれる。恐らくは、それも彼らの計算なのであろう...。そして、オブジェや文字が書かれたバスがひと際存在感を放っていたり、コレクションの映像が流れていたりと、その優れたパフォーマンスには毎回驚かされる。まさに『素晴らしい』の一言である。

内容としては、基本的にこれまでのコレクションそれぞれを解剖した様な演出で、年代とは関係なくテーマにそって２０年の歴史を一挙公開という形で展示されている。例えば２００５ S/S 「Assemblage（集合）」からは、２つの古着のファーコートを合体させたようなデザインであったり、有名な「転写デザイン」が展示されている。あるいは「Flat Gorments（平らな衣服）」という１９９８ S/S コレクションの作品があったりと、時間軸による統一感は無い。それに「破壊（１９８９-９０ A/W）」という、壊したお皿を並べて「ベスト」にするというアバンギャルドな発想などなど、さまざまな表現手法、技術が惜しげも無く投入されている。また、少ない色使いとパターン、形や質感、ラインなど、脱構築的かつクリエイティブな作品を発表し続けてきたこのメゾン独特の特殊性がいかんなく発揮されている。しかもその全てが至ってシンプルであり、雑然としながらも全体として統合されている、という妙な違和感もまた面白い。また、それこそがMaison Martin Margielaの存在感なのかも知れない。

次世代を担う若手クリエイター集団として生まれ変わった「Maison Martin Margiela」が、今回のエキシビションで見せた実力とは、実は未だMARGIELAという比類無き天才の存在感だったのかも知れない...。しかし、これから受ける評価と人々の期待には、必ず答えてくれることを期待したいし、１人のファンとしては是非そうあって欲しいと願わずにはいられない。

Happy(love theme from"lady sings the blues")HF&K.U.D.O.REMX / Michael Jackson

近年、食と農に関する行政批判が相次いでいる。記憶に新しいところでは、宮崎県で拡大した口蹄疫での政府対応に関する責任問題などでもそうだが、実はマスコミや研究者の圧倒的多数派になっているのは、なにも食と農の問題に限ったことではない。

既得権益に絡んだ収賄事件、薬害エイズ訴訟など、相次ぐ官僚や族議員による汚職事件の影響もあり、１９９０年代以降のマスコミの定番的論評は「悪い官僚（ないし族議員）VS　善良な市民」という構図で語られることが多い。

もちろん、政治家や官僚の腐敗・堕落は重大な問題であるし、深刻に受け止めなければならないことである。しかし、現在の社会問題のすべてを「悪い官僚　VS　善良な市民」という構図だけで捉えてしまうというのは、危険な単純化傾向だとは言えまいか？民主国家である日本では、議員や官僚と言えども選挙や試験を通じて市民の中から選ばれている。官僚や議員の腐敗・堕落を産んだのと同じ病原体は、むしろ善良な市民の側に棲息している可能性が高いのに、世の中の矛盾をすべて〝手頃な誰か〟になすりつけて、それから先の思考を停止してしまうというのは、非常に危険で憂慮すべき現象である。

特に食や農に関する話題は、どことなくノスタルジックな雰囲気もあり、行政批判にはもってこいの材料になっていると思われる。例えば、３０年以上前の新聞や週刊誌に、着色料などの食品添加物問題、水道の有害物質、食肉偽装表示、食料安保、農薬残留問題など、まるで最近のことかと思われる記事が多く見られるが、反対に〝新しい動き〟として、毎年の様に「食育」「産地直送」「地産地消」「自然農業」「健康志向」「食の安全・安心」「生産者の顔が見える関係」など、表現の違いこそあれ、多くの同じ様なスローガンが繰り返し発表されてきた。では何故、問題は改善されずに耳ざわりの良い〝お題目〟ばかりが誌面を賑わせているのだろうか？その答えは「消費者エゴ」または「お任せ民主主義」という市民のミーイズム（自己中心主義）と、少なからず関係がある様だ。

例えば「有機農産物の宅配が健康や環境に気を配る消費者に大人気」という特集記事の見出しには、ある種の自然回帰的な安心感があるが、少し見方を変えれば「宅配にかかる流通コストや石油の消費に気を配らない消費者」と言われているのも同じであるし、田園を潰して建設されたショッピングモールへ「産直野菜」を買いに自家用車で出かけることにも大きな矛盾を感じてしまう。また〝自然志向〟で人気の「ヤシの実洗剤」を作る為にスマトラの熱帯雨林が焼かれ、永続性に疑問の多い油ヤシ畑に変わっているという現実を、自然志向の消費者達は知らない。

更には、日本向けのエビ輸出のために、東南アジアのマングローブを薬で枯らしてエビの養殖場を作り、５年前後でヘドロになってしまうので、そのまま放置されているという現状もある。同じく日本向けの鶏肉生産のためにブロイラーが薬漬けで大量飼育され、その精肉工場では農村出身の若い女性を過酷な労働条件で雇い、労働や賃金の搾取が状態化していることも看過できない。また、ナタデココの一時的なブームがもたらした途上国の農村の混乱など、私たち日本の消費者の気まぐれやエゴが、途上国の農民に重大な影響を与えているのである。もちろんその背景には、途上国の貧困問題が横たわっていることと無関係ではないが、自分たちの食べ物のことばかりを気にして、安定した輸入食品の供給を支えている途上国の農民たちには気を配らず、そういったこと全てから目を背ける（マスコミもこの手の報道は、あまりやらない）のは本末転倒であるし、卑怯と言われても仕方が無い。

この様な安易で利己的な「自分たちだけは、楽に良い物をなるべく安く手に入れたい！」という利便性のみを優先してきた結果、我々市民が失ってきたものはあまりにも大きい。特に食の安全に関しては、それぞれの食材に応じた保存方法と調理方法にひと手間が必要だし、それぞれに旬の季節が存在する。その為、食材１つ１つの知識や調理技術も、ある程度身に付いていることが前提となるだろう。しかし、私たちは何かと言い訳を付けてはそういった手間のかかることを敬遠してきた。マスコミや流通業者はそういう消費者の真意を巧みに「嗅ぎ取り」、安心・安全、地場流通、環境フレンドリー的な〝匂い〟のあるものを散発的に紹介したり店頭に並べ、消費者の多くもその〝お手軽さ〟になびいてきてしまった。

賛否両論はあろうが、「消費者の本音は手軽さが一番で、食の安全・安心や子供と家族の健康などは二の次三の次、スーパーやショッピングモールの味に飽きたら、本物志向と称してデパ地下で買った食品をテーブルに並べるだけ。」日本の食文化崩壊は、そう言われても仕方が無いレベルにまできているのかもしれない...。

BSE（狂牛病）、O157、鳥インフルエンザ、残留農薬、農産物輸入問題、食糧危機、産地や消費期限の偽装などなど...、食の安全に関する問題や話題は枚挙に暇が無い。しかし、政治的な流れやマスコミの論調を鋭く見抜き、数多の情報を分析し正しい選択ができなければ、これら問題の解決も難しいであろう。本質を掘下げて考える時、どうしても避けては通れないもの、それは他者への「思いやり」ではないだろうか。「自分だけは得をしたい（損をしたくない）」というミーイズムや他人の不幸や痛みに対する無関心が、私たち庶民の感覚を鈍らせている、という意見もあるが、ごく一部の人たちの為にその他大勢の人達が犠牲にされるのは、甚だナンセンスである。

エコカー減税やエコポイントの活用で、新車や薄型TVへの買い替え需要が伸びたことは、経済の活性化には一役かったのだろうが、これこそ集団的誤謬の典型例であり、本来言葉通りのecoというのならば、自動車を使わず公共交通機関を使ったり、自転車に乗るのが環境にも健康にも良いことは、国民の誰もが認識している。そういった面倒なことや不便さの中にこそ、本気でこれらの問題を解決していく糸口がある様に思えてならない。次世代に大きな負の遺産を残さない為にも、今を生きる者の責任は重大である。

[reference]

『日本の食と農』～危機の本質～　／　神門 善久著

text by wk

19世紀末以来、とりわけ1910年代からソビエト連邦誕生時を経て、1930年代初頭までの、ロシア帝国・ソビエト連邦における各芸術・文化運動のことを「ロシア・アヴァンギャルド」と総称する。

第一次世界大戦前の初期においては、キュビスム、未来派、ネオ・プリミティヴィズムなど、同時代のモダニズム運動との共通性が顕著であったが、第一次大戦を経て次第にシュプレマティスムならびにロシア構成主義が台頭。ロシア特有の芸術運動となっていった。ロシア革命以降は表現上の革新と政治革命が相互に作用し、純粋芸術においてのみならず、プロパガンダ・アートの分野（ビラ、ポスター、宣伝列車等）で、また1920年代には芸術と生活、そして社会主義的な産業化のトリアーデの一致をめざす様々な分野（建築、プロダクトデザイン、写真、映画等）で、その可能性を開花させるに至った。

これら近代におけるモダニズムから派生したアヴァンギャルド芸術は、当局からも支持されたが、その後の農業集団化にはじまる一連の上層部からの革命を契機とした、ヨシフ・スターリンの「文化革命」による政治的な抑圧と、難解さに起因する農民を中心とした一般大衆からの不支持や、芸術運動そのものの内在的な行き詰まり等の諸要因の複合によって、1930年代を境に終息していくこととなる。

この時代、ロシアのみならず中東欧で燃え上がり、ヨーロッパ各地に飛び火したアヴァンギャルド芸術運動は、チェコ共和国プラハに於いて、1910年代末から芸術文化の前衛運動〝チェコ・アヴァンギャルド〟として確立。ヨーロッパやその後のロシアなどへ大きな影響を与え、スラブ文化圏における中心的役割を担ってきた。

第二次大戦中、ヨーロッパのアーティストの多くがアメリカへと渡り、同時に戦後のタイポグラフィーやグラフィックデザインの中心地も、ヨーロッパからアメリカへと移って行くわけだが、その中でもとりわけ大きな影響を及ぼし、その役割を果たしたのが『Devetsil（デヴィエトシル）』の中心者Karel Teige（カレル・タイゲ）であろう。

1922年ごろ、チェコ・アヴァンギャルドに於いて「ポエティスム」という芸術理論を明確に理論体系化したのが、『Devetsil』の中心メンバーでもあったKarel TeigeとVitezslav Nezval。グループは画家、作家、詩人、建築家、音楽家、写真家、舞台作家、役者などで構成されており、その特徴は、生と芸術が「ポエジー」においてひとつになる、という総合芸術論であった。アカデミックなイデオロギーではなく、普段の生活を豊かに、楽しくする芸術が、つまり「ポエジー」というひとつの美に集約される、というものだ。

「われわれがポエティスムと呼ぶところの新しい芸術が、生活のアート、生きることのアート、楽しむことのアートとするなら、それはことの成り行きとして、毎日の生活のしかるべき部分でなくてはならない。スポーツ、恋愛、ワイン等々。すべてのレジャーと同様、楽しいもの、近づきやすいものでなくてはならない。それは職業などではありえない。むしろ、普遍的なニーズとなるに違いない。ポエティスムは哲学的な方向性をもっているわけではない。文学ではない。絵画ではない。狭義の意味での『イズム』でもない。普通に使われているロマンティックな意味での美術でもない。とどのつまりが、ポエティスムとは生活の仕方なのだ。生活の機能であり、かつまたその目的の充足なのだ。」Karel Teigeは後にそう語っている。

Devetsilは、1920年代のチェコに於いて、最も前衛的で「人工主義」、「絵画詩」、またはLe Corbusierに比肩しうる建築理論などを持つオリジナリティ溢れるアーティスト・グループとして不動の存在であったが、20年代後半、ポエティスムはフランスのシュルレアリスムに歩み寄り、徐々にそれに取って変わられることになる。

近年、日本でもブックデザインや絵本、アニメーション映画などを筆頭に、チェコ文化への注目が集まっている。また、キュビズムの画家として知られる兄とそれらの作品を装丁した弟として有名な「チャペック兄弟」、映像作家・アーティストとしても著名なヤン・シュヴァンクマイエル、近現代芸術に偉大な影響を与えた「コラージュ」という表現技法を産み出したイジー・コラーシュなどなど、チェコ・アヴァンギャルドの系譜から生まれた秀才たちは、その後世界中のアーティストやデザイナーたちに多大な影響を与え続けながら、今もその魅力は衰えを見せない。

芸術運動を通じて生活や社会に豊かさを与え、またそれら普通の生活の中にある、もしくは生活そのものを〝ポエティスム〟と呼び、そこに『美』を見いだしていたアーティストたちの哲学は、１００年近い時を経て、今まさに現代への警鐘として、たま新たな価値観の提起として、民衆からの支持を得ようとしている。

参考資料　

wikipedia

チェコ・アヴァンギャルド ブックデザインにみる文芸運動小史 　西野 嘉章 (著) 

text by NOKU

Danna Schutzの絵は

キャラクターを解剖し腑分けするが明るい色調の色使いにより なぜだか その残酷きわまれる感覚は相殺されてユーモアとエッセンスに富んだ作品となっている。

そのキャラクターを腑分けるさまはもう子供の好奇心による虫をいじり殺すような感覚と共鳴し合うかのごとく他意はなく本能のままに行われている

悪夢と悪ふざけが同居した作品群は否応無しに自分の子供の頃の記憶を呼び起こし見る者を引き込んで行く